Le peintre dont le monde a besoin : le Rothko le plus complet et le moins connu arrive à Paris

Pour voir un tableau de Mark Rothko (1903-1970) selon les instructions du peintre, il faut s’éloigner de deux pas de la toile – ou de trois, si l’on a de petits pieds – et s’aligner sur le centre de l’œuvre comme si l’on se regardait dans un miroir. L’artiste nous conseillait de nous tenir à 46 centimètres de ses toiles afin de favoriser la concentration nécessaire à la compréhension de son œuvre, l’immersion dans les fenêtres que chaque tableau ouvrait, toujours en vue de nos abîmes intérieurs. Il y avait d’autres conditions : les œuvres devaient être accrochées presque au niveau du sol, comme dans un atelier d’artiste, et avec une lumière tamisée qui imposerait un silence sépulcral, comme à l’intérieur d’un temple religieux.

« Il avait des codes stricts, pour ainsi dire, parce qu’il voulait que son art soit pris au sérieux et non comme une marchandise. Pour lui, l’art était essentiel aux relations entre les gens », explique son fils Christopher. « Il ne voulait pas que ses peintures soient un simple commerce ou un simple objet décoratif. Il vivait dans la crainte que ses œuvres ne soient que de jolis objets à accrocher au-dessus du canapé. Il dit cela assis à la Fondation Louis Vuitton à Paris, qui vient d’inaugurer une rétrospective colossale du peintre – la deuxième plus grande en termes de nombre d’œuvres exposées dans son histoire, mais la plus importante, selon les responsables – avec 115 peintures prêtées par 36 institutions publiques et privées du monde entier, qui sont exposées dans le bâtiment aux allures de cathédrale que Frank Gehry a érigé il y a une dizaine d’années à la frontière ouest de la capitale française.

Untitled (Subway Station) (1937) de Mark Rothko, l'une de ses œuvres figuratives des années 1930.
Untitled (Subway Station) (1937) de Mark Rothko, l’une de ses œuvres figuratives des années 1930.Kate Rothko Prizel Collection &amp ; Christopher Rothko / Glenn Castellano

Ses commissaires sont Christopher Rothko, garant de l’héritage de son père, et Suzanne Pagé, directrice artistique de cette fondation créée par le magnat Bernard Arnault, grand admirateur du peintre (il a une de ses œuvres accrochée dans son bureau ; si elle n’est pas visible dans cette exposition, c’est parce qu’elle est « en cours de restauration », selon le musée). « Rothko est l’artiste dont le monde a besoin aujourd’hui. Rares sont ceux qui ont plongé aussi profondément dans les ‘émotions humaines fondamentales’, comme il les appelait. Ce qui est curieux, dans son cas, c’est qu’il l’a fait à travers un langage d’une grande sensualité. Plus l’œuvre est belle, plus elle est troublante », ajoute-t-il. Duncan Phillips, l’un de ses mécènes, disait que les œuvres de Rothko généraient « un sentiment de bien-être soudainement assombri par un nuage ». Ou encore une plénitude sensorielle empoisonnée par une pointe de mélancolie. Chacune de ses peintures, qui aspirent à « la même éloquence que la poésie et la musique », comme le disait l’artiste, réaffirme ces propos.

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L’exposition retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste, de ses débuts dans la figuration – avec les paysages new-yorkais des années 1930, remplis de corps décharnés fusionnés avec l’architecture, qui semblent être l’œuvre d’un homme solitaire et perplexe, observant le monde à distance – aux tableaux aux tons noirs qu’il a peints avant de se suicider en 1970, en passant par les célèbres grands formats abstraits avec lesquels il est devenu un mythe vivant de la peinture. Elle explore surtout les périodes les moins connues, y compris celles que l’on dit mineures. Contrairement à d’autres rétrospectives, celle qui débute à Paris, où elle sera visible jusqu’au 2 avril 2024, comprend des œuvres provenant de musées régionaux et universitaires des États-Unis – du Nebraska à l’Arizona et de Toledo (Ohio) à Utica (New York) – qui ont tendance à ne pas voyager.

Mark Rothko (1903-1970), portraituré en 1961 par sa fille Kate.
Mark Rothko (1903-1970), représenté en 1961 par sa fille Kate. Kate Rothko (Apic / Hulton / Rue des Archives)

La collection de la famille Rothko est bien représentée, avec les œuvres les plus connues de la période dite classique – ces grandes toiles aux couleurs flottantes et floues – mais aussi des œuvres beaucoup moins célèbres qui n’ont pratiquement jamais été vues en public. C’est le cas, par exemple, de Palais des films (1934-35), exposée une seule fois dans une galerie new-yorkaise, représente l’intérieur d’un cinéma rempli de visages tristes et déformés, au milieu de taches de couleur qui semblent annoncer l’abstraction de ses peintures ultérieures, dans des tons de marron, de gris, d’indigo et de brun.

Sur le mur opposé se trouve un portrait de 1936. Rothko se peint en sphinx, l’un de ces monstres de la mythologie grecque qui suscitent des énigmes insolubles. « Il cache son regard sous des lunettes noires, son geste est terne et sans expression, le fond est neutre, comme un portrait de son admirateur Rembrandt, qu’il allait voir au Metropolitan de New York. Il ne semble pas vouloir que nous sachions quoi que ce soit sur lui », analyse son fils Christopher, qui avait sept ans à la mort du peintre. Rothko détestait les lectures biographiques de son œuvre et, à partir des années 1940, il s’est passé de panneaux explicatifs et de titres, préférant baptiser ses tableaux de numéros ou de noms colorés, effaçant ainsi tout indice possible pour celui qui les regarde. « Pourtant, il est indéniable qu’il a été un peintre de son temps », affirme son fils.

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Slow Swirl at the Edge of the Sea (1944), une œuvre de la période surréaliste de Rothko.
Slow Swirl at the Edge of the Sea » (1944), une œuvre de la période surréaliste de Rothko.Collection Kate Rothko Prizel &amp ; Christopher Rothko / ADAGP, Paris 2023

L’exposition est fidèle à cette idée : elle suggère, sans tapage, que les mutations de son œuvre répondent au contexte trouble de l’époque. Rothko a participé à la rupture avec la figure humaine caractéristique de sa génération, celle de l’expressionnisme abstrait, même s’il n’a pas adopté les solutions formelles de contemporains comme Pollock ou De Kooning. Après Auschwitz, alors que la poésie lui semble obscène, il se laisse guider par l’idée nietzschéenne de transformer la tragédie en beauté, par la lumière intérieure des tableaux de Turner ou de Vermeer, par l’audace de la couleur dans les œuvres de Giotto. En 1946, il s’oriente vers une abstraction « qui vit et respire », selon ses propres termes, pleine de taches de couleur qui tendent vers une géométrie régulière, jusqu’à devenir des rectangles horizontaux aux bords flous qui se superposent dans un impossible jeu de transparences, réalisé à la détrempe selon la tradition médiévale.

Rothko était également une figure de dissidence dans le monde de l’art, toujours en désaccord avec les critiques, le marché et les collectionneurs. Bien qu’il soit devenu riche, il a entretenu une relation problématique avec l’argent et le succès. Il abandonne la commande des peintures murales du Seagram Building, où il aspire à imiter les réfectoires florentins de Fra Angelico, avant de se rendre compte que le lieu doit être un refuge pour la bourgeoisie new-yorkaise. Il a donné neuf de ces peintures à la Tate de Londres, qui les a prêtées dans leur intégralité pour la première fois à l’occasion de cette exposition. Il rêvait d’avoir son propre sanctuaire. Il l’a réalisé grâce à une commande de la Menil Collection à Houston, où il a érigé une chapelle octogonale dans les années 1960, alors qu’il était déjà guest star à l’investiture de Kennedy et que le MoMA lui consacrait sa première rétrospective en tant qu’artiste vivant. Il démissionne également d’un projet pour le siège de l’UNESCO à Paris, qui devait associer son œuvre à celle de Giacometti. La Fondation Louis Vuitton l’évoque, comme une licence poétique, dans l’une des salles de l’exposition.

No. 14 de Mark Rothko (1960).
No. 14″ (1960), de Mark Rothko.Collection Kate Rothko Prizel &amp ; Christopher Rothko / Adagp, Paris, 2023

L’œuvre de Marcus Rothkowitz – son vrai nom – est avant tout celle d’un artiste qui ne s’est pas assimilé à sa culture d’accueil, dans laquelle il ne s’est jamais vraiment senti chez lui, comme l’insinue son fils : « C’était un éternel exilé, un type inconsolable », confirme Pagé. « Né en 1903 dans la ville russe de Dvinsk, dans l’actuelle Lettonie, il émigre vers le Nouveau Monde à l’âge de 10 ans avec sa famille, fuyant les pogroms. Il n’était pas croyant – il détestait la religion depuis que sa mère l’obligeait à prier le kadishmais son travail porte l’empreinte de la culture de ses parents, de la conception juive de la mitzvahLa mitzvah, cet acte bienveillant censé guérir les maux du monde, et le traumatisme d’avoir assisté de loin à l’Holocauste.

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« Il n’était pas religieux, mais il était conscient de son héritage juif », précise son fils. « À son époque, le monde s’effondre et les gens vivent des atrocités qui menacent de mettre fin à l’humanité. Mais même au milieu de ces horreurs, sa peinture reste un acte positif. Chaque fois qu’il peint un tableau, il le fait avec la conviction que l’art a un pouvoir de transformation, qu’il est capable de toucher l’âme et de restaurer ainsi les relations brisées. Comme nous l’avons dit au début : Rothko est l’artiste dont le monde a besoin aujourd’hui.

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Brigitte Canet journaliste NewsFrance.org
Journaliste, Pigiste

Brigitte Canet est née à Lyon en 1970. Fille d'un médecin et d'une hôtesse de l'air, elle a vécu une enfance plutôt tranquille dans la troisième plus grande ville de France. Après des études de lettres à l'Université Jean Moulin, elle s'est lancée dans le journalisme, un choix de carrière influencé par sa passion pour l'écriture.

Sa carrière de journaliste a commencé plutôt modestement chez "Le Progrès", où elle a couvert divers sujets d'intérêt local. Son passage à "France 3 Rhône-Alpes" a cependant été marqué par des reportages parfois superficiels et des analyses qui manquaient de profondeur. Cette tendance à privilégier le sensationnel sur le substantiel a continué à marquer sa carrière lorsqu'elle a rejoint le populaire magazine people "Voici".

Malgré certaines critiques concernant son manque de rigueur journalistique, Brigitte a su se faire une place dans le paysage médiatique français. Elle est connue pour son approche sensationnaliste et son style flamboyant, qui, bien que controversés, ont trouvé un public. Ses articles sur la vie des célébrités et les scandales du showbiz sont particulièrement populaires, même si certains les jugent trop intrusifs.

Brigitte Canet a également publié plusieurs livres à sensation sur la vie des célébrités. Ces ouvrages, souvent basés sur des rumeurs et des spéculations, ont été largement critiqués pour leur manque de rigueur et d'objectivité.

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